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Lasolution à ce puzzle est constituéè de 9 lettres et commence par la lettre A Les solutions pour FIN D UNE PIECE A GRAND SPECTACLE de mots fléchés et mots croisés. Découvrez les bonnes réponses, synonymes et autres types d'aide pour résoudre chaque puzzle Voici Les Solutions de Mots Croisés pour "FIN D UNE PIECE A GRAND SPECTACLE" Apotheose 0 0
Spectacles Publié le 6 Septembre 2021 à 16h26 Décédée en 2017, Simone Veil est un monument politique et social en France. Première femme ministre de la Ve République en 1974, première présidente du Parlement européen en 1979, elle a occupé pendant quarante ans une place à part dans la vie politique française. À partir du 18 septembre 2021, Cristiana Reali va donc faire revivre les combats de Simone Veil sur les planches du Théâtre Antoine. Une magnifique pièce à ne manquer sous aucun prétexte ! Mise en scène par Pauline Susini, Simone Veil. Les Combats d’une effrontée retrace la vie d’une personnalité marquante du XXe siècle. Celle qui fut déportée dans les camps de la mort, puis magistrate, ministre, élue au Parlement européen et à l’origine de la loi dépénalisant l’avortement, Simone Veil a mené de nombreux grands combats. Le 1er juillet 2018, Simone Veil entre au Panthéon avec son mari Antoine. Les discours officiels se succèdent, célébrant la mémoire de cette femme hors du commun. Une jeune femme, Camille, qui vient d’achever sa thèse sur Simone Veil, est appelée à prendre la parole dans une émission de radio. On l’interroge sur ce qu’elle retient de son aînée. Elle part alors à la recherche de ses souvenirs d’étudiante. À moins qu’il ne s’agisse des souvenirs de toute une génération. Petit à petit, la parole de la jeune femme laisse place à celle de Simone Veil. Cette dernière nous confie ses combats et sa foi en l’humanité. Une conversation se noue entre ces deux femmes, comme un dialogue entre deux générations. Comment trouve-t-on la force de consacrer sa vie à l’engagement ? Comment reçoit-on cet héritage ? La pièce, remarquablement interprétée par Cristiana Reali et Noémie Develay-Ressiguier, nous fait revivre les combats de Simone Veil et met en valeur l’héritage rempli d’espoir qu’elle nous laisse. Une pièce bouleversante. Simone Veil. Les combats d'une effrontéeD’après Une vie, de Simone Veil, publié aux éditions StockAdaptation de Cristiana Reali et d’Antoine Mory Théâtre Antoine 14, boulevard de Strasbourg – 10eDu 18 septembre au 7 novembre 2021 à 19h Plus d’infos
Présentersa lecture d'une oeuvre , c'est avant tout être capable d'en distinguer ce qui en fait l'originalité: ce qui revient implicitement à la comparer à toutes les autres; Lorsqu'il s'agit d'une pièce de théâtre , la difficulté est double car souvent nous n'avons en face de nous que le texte du spectacle alors que les spectateurs qui ont assisté à la représentation, ont vu le
Télécharger l'article Télécharger l'article Vous avez une idée pour une pièce, peut-être une superbe idée. Vous voudriez l’élargir pour en faire une comédie ou une histoire dramatique, mais de quelle façon procéder ? Bien que vous puissiez être tenté de commencer automatiquement à rédiger, votre scénario sera plus réussi si vous prenez le temps nécessaire pour planifier toute l’histoire avant de commencer à rédiger votre premier brouillon. Une fois que vous avez fait un brainstorming sur votre récit et élaboré son plan, la rédaction de votre scénario ne sera plus qu’un jeu d’enfant. 1 Choisissez le genre d’histoire que vous voulez raconter. Bien que chaque histoire soit différente, la plupart des pièces appartiennent à une catégorie donnée, ce qui permet à l’audience de comprendre comment interpréter les évènements et les relations qu’elle voit. Pensez aux personnages que vous voulez créer puis imaginez la manière dont vous voudriez que leurs histoires se développent. Posez-vous certaines questions [1] . Est-ce qu’elles doivent résoudre un mystère ? Vont-elles traverser une série de situations difficiles afin d’atteindre un épanouissement personnel ? Vont-elles passer à l’âge adulte par une transition de l’innocence enfantine aux expériences du monde ? Est-ce qu’elles projettent d’effectuer un voyage, comme le périple d’Ulysse dans l’Odyssée d’Homère [2] ? Vont-elles amener de l’ordre là où il n’y avait que le chaos ? Vont-elles surmonter une série d’obstacles pour atteindre un but ? 2Faites un brainstorming sur les différentes parties de l’arc narratif. L’arc narratif est la progression du début, du milieu et de la fin d’une pièce. Les termes techniques qui désignent ces parties sont la mise en œuvre, la succession et la résolution. Ils viennent toujours dans cet ordre. Peu importe la longueur de votre pièce ou du nombre d’actes dont elle est composée, une bonne pièce doit développer ces trois pièces du puzzle. Prenez note de la direction que vous comptez donner à chaque partie avant de vous mettre à écrire votre pièce. 3Décidez de ce que vous devez mettre dans la mise en œuvre. Cette dernière ouvre la pièce en fournissant les informations de base nécessaires pour suivre le déroulement de l’histoire où et quand l’histoire se déroule-t-elle ? Qui est l’acteur principal ? Si vous en avez, qui sont les acteurs secondaires, ainsi que l’antagoniste personne qui présente le personnage principal avec son propre conflit central ? Quel est le conflit central auquel ces personnages devront faire face ? Quelle est l’atmosphère de cette pièce comédie, théâtre romantique, tragédie ? 4Faites une transition entre la mise en scène et la succession. À cours de cette dernière, les évènements se déroulent d’une manière qui rend les circonstances difficiles pour les personnages. Le conflit central vient en question alors qu’on note une poussée d’adrénaline au niveau de l’audience. Ce conflit peut surgir avec un autre personnage antagoniste, une situation extérieure guerre, pauvreté, rupture amoureuse ou un conflit avec soi-même devoir surmonter ses propres insécurités. La succession se termine par le paroxysme moment où la tension a atteint son apogée, lorsque le conflit prend le dessus [3] . 5Décidez de la résolution du conflit. La résolution relâche la tension du paroxysme du conflit pour mettre fin à l’arc narratif. Vous pourriez avoir une fin heureuse dans laquelle le personnage principal obtient ce qu’il ou elle cherchait ou une fin tragique où l’audience tire une leçon de l’échec du personnage principal ou un dénouement dans lequel toutes les questions trouvent des réponses. 6 Comprenez la différence entre intrigue et histoire. Le récit de votre pièce est composé de l’intrigue et de l’histoire. Il s’agit de deux éléments distincts qui doivent être développés ensemble pour créer une pièce qui attire l’attention de l’audience. Forster définit l’histoire comme ce qui se passe dans la pièce, c’est-à-dire le déroulement chronologique des évènements. Quant à l’intrigue, elle peut être définie comme la logique qui lie les évènements qui se déroulent à travers l’intrigue et qui leur donnent une force émotionnelle [4] . Voici un exemple de cette différence. L’histoire la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Ensuite ce dernier perd son travail. L’intrigue la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Chagriné, il fait une dépression émotionnelle au travail, ce qui a conduit à son licenciement. Vous devez développer une histoire fascinante qui bouge l’action de votre pièce assez rapidement pour retenir l’attention de l’audience. Dans le même temps, vous devez montrer le lien superficiel des actions à travers le développement de votre pièce. C’est ainsi qu’on suscite l’intérêt chez l’audience sur les évènements qui ont lieu sur scène. 7 Développez votre histoire. Vous ne pourrez pas approfondir la résonance émotionnelle d’une pièce si vous ne mettez pas en place une bonne histoire. Faites un remue-méninge sur les éléments de base de l’histoire avant de les étoffer avec votre écrit tout en répondant aux questions suivantes [5] . Où se déroule votre histoire ? Qui est votre protagoniste personnage principal et qui sont les personnages secondaires importants ? Quel est le conflit central que devront affronter ces personnages ? Quel est l’élément déclencheur qui a commencé l’action principale de la pièce et conduit à ce conflit central [6] ? Qu’est-ce qui se passe avec vos personnages au moment où ils font face au conflit ? Comment le conflit est-il résolu à la fin de l’histoire ? À quel point cela impacte-t-il les personnages ? 8 Approfondissez l’histoire avec le développement de l’intrigue. Souvenez-vous que l’intrigue est le développement de la relation entre les éléments de l’histoire qui étaient énumérés dans l’étape précédente. En pensant à l’intrigue, vous devez essayer de trouver des réponses aux questions suivantes [7] . Quelles relations entretiennent les personnages entre eux ? Comment les personnages interagissent-ils avec le conflit central ? Qui sont les plus affectés et à quel point le sont-ils ? Comment pouvez-vous façonner l’histoire les évènements afin de mettre les personnages qu’il faut en contact avec le conflit central ? Quelle est la succession logique et désinvolte qui conduit chaque évènement au suivant, en construisant un flux continuel vers le paroxysme et la résolution de l’histoire ? 1 Commencez avec une pièce en un acte si vous êtes un débutant. Avant de rédiger la pièce, vous devriez avoir une idée de la façon dont vous désirez la structurer. La pièce en un acte se déroule sans interruption et représente un bon point de départ pour les débutants en dramaturgie. Comme exemple de pièce en un acte, nous avons The Bond de Robert Frost et Amy Lowell et Gettysburg de Percy Mackaye [8] [9] ou La Chance du mari [10] », G. A. de Caillavet et Robert de Flers 1906. Même si la pièce en un acte a la structure la plus simple, souvenez-vous que toute histoire a besoin d’un arc narratif avec une mise en scène, une succession et une résolution. Étant donné que les pièces en un acte ne subissent aucune interruption, elles requièrent moins de décor et de changements de costume. Rendez vos besoins techniques plutôt simples. 2 Ne limitez pas la durée de votre pièce en un acte. Sa structure n’a rien à avoir avec la durée du spectacle. Ces pièces peuvent varier grandement en durée, avec des productions aussi courtes que dix minutes et d’autres qui vont jusqu’à une heure. Les drames flash sont des pièces en un acte qui peuvent aller de quelques secondes à dix minutes. Elles sont géniales pour les spectacles de théâtre à l’école ou dans la communauté, ainsi que pour des compétitions spéciales de théâtre flash. Pour un exemple de drame flash, allez voir A time of Green d’Anna Stillaman. 3 Laissez la place pour des décors plus complexes avec une pièce en deux actes. La pièce en deux actes est la plus fréquente dans le théâtre contemporain. Bien qu’il n’existe pas de règle établie quant à la durée, en général, les actes durent à peu près une demi-heure, donnant à l’audience une pause entre eux. La pause donne à l’audience le temps d’aller aux toilettes, de se détendre, de penser à ce qui s’est passé et de discuter du conflit présenté dans le premier acte. Cependant, elle donne aussi le temps à l’équipe d’apporter de grosses modifications au décor, aux costumes et au maquillage. Généralement, les pauses durent environ 15 minutes et pendant ce temps planifiez donc les rôles de votre équipe compte tenu de ce temps [11] . Pour des exemples de pièces en deux actes, consultez Hölderlin de Peter Weiss ou Le Retour de Harold Pinter. 4 Ajustez l’intrigue pour avoir la structure d’une pièce en deux actes. La structure de la pièce en deux actes change plus que le nombre de fois que votre équipe doit faire des ajustements techniques. Étant donné que l’audience a pris une pause au milieu de la pièce, vous ne pouvez plus traiter l’histoire comme si elle se déroulait sous la forme d’un récit. Vous devez structurer votre histoire autour de la pause afin de laisser l’audience se détendre et de songer à la fin du premier acte. Du retour de la pause, elle doit être ramenée immédiatement à la succession de l’histoire. L’élément déclencheur devrait se produire environ à mi-chemin du premier acte, après la mise en scène de départ. Accompagnez l’élément déclencheur de plusieurs scènes pour attirer l’attention de l’audience. Elles peuvent être dramatiques, tragiques ou de la comédie. Ces scènes doivent être construites dans le sens d’un point de conflit qui achèvera l’acte premier. Mettez fin au premier acte juste après le point culminant de la tension dans l’histoire à ce point. L’audience restera sur sa faim à la pause et reviendra impatiente de suivre le second acte. Commencez le second acte avec un niveau de tension plus bas que la fin du premier acte. Vous devrez ramener l’audience en douceur dans l’histoire et dans son conflit. Présentez plusieurs scènes du second acte qui élèveront l’enjeu dans le conflit vers le paroxysme de l’histoire ou le point de tension et de conflit le plus élevé, juste avant la fin de la pièce. Détendez l’audience vers la fin avec le dénouement et la résolution. Bien que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse, l’audience doit avoir l’impression que toute la tension que vous avez accumulée au cours de la pièce a été libérée. 5 Essayez une structure de trois actes. Pour cela, optez pour une intrigue plus longue et plus complexe. Si vous êtes nouveau dans la dramaturgie, vous pouvez commencer avec une pièce d’un ou de deux actes, car une longue pièce de trois actes pourrait maintenir l’engouement de l’audience pendant deux heures [12] ! Il faut beaucoup d’expérience et de savoir-faire pour composer une production qui puisse attirer l’audience pendant toute cette durée. Vous devriez donc au départ revoir vos ambitions à la baisse. Cependant, si l’histoire que vous comptez raconter est assez complexe, une pièce en trois actes pourrait être votre meilleure option. Tout comme la pièce en deux actes, elle permet des changements importants au niveau du décor, des costumes, etc. au cours des pauses entre les actes. Chaque acte de la pièce théâtrale doit atteindre son propre objectif de narration [13] . Le premier acte est la mise en scène prenez le temps de présenter les personnages ainsi que des informations générales. Amenez l’audience à se préoccuper du personnage principal protagoniste et de sa situation pour assurer une forte réaction émotionnelle lorsque la situation commencera à mal tourner. Le premier acte devrait aussi annoncer le problème qui sera développé tout le long de la pièce. Le 2e est la complication les enjeux deviennent plus élevés pour le protagoniste étant donné que le problème devient plus difficile à gérer. Une bonne manière d’élever les enjeux dans le second acte, c’est de révéler une information importante non loin du paroxysme de l’histoire [14] . Cette révélation devrait semer le doute dans l’esprit du protagoniste avant qu’il ou elle ne trouve la force de résister à travers le conflit pour en arriver à la résolution. L’acte 2 devrait prendre fin d’un air abattu, où les plans du protagoniste se présentent comme un désastre. Le 3e acte est la résolution le protagoniste surmonte les obstacles du second acte et trouve un moyen d’atteindre la conclusion de la pièce. Notez que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse. Il se peut que le héros meure dans la résolution, mais l’audience devra en tirer une leçon [15] . Voici des exemples de pièces en trois actes Mercadet le faiseur de Honoré de Balzac et Pigeon A Fantasy in Three Acts, de John Galsworthy. 1 Passez en revue les actes et les scènes. Dans les deux premières sections de cet article, vous avez fait un remue-ménage sur les idées de base concernant l’arc narratif, l’élaboration de l’histoire et de l’intrigue et la structure de la pièce. À présent, avant de vous assoir et écrire la pièce, vous devriez ordonner toutes ces idées en de grandes lignes. Pour chaque acte, exposez ce qui se passe dans chaque scène. À quel moment les personnages principaux sont-ils présentés ? Combien de différentes scènes avez-vous et quel évènement spécifique a lieu dans chaque scène ? Veillez à ce que les évènements de chaque scène se construisent en direction de la prochaine scène pour assurer le développement de l’intrigue. À quel moment aurez-vous besoin de faire des changements de décor ou de costume ? Prenez en considération ces genres de détails techniques pour développer les grandes lignes de la mise au point de votre histoire. 2Développez vos grandes lignes en écrivant votre pièce. Quand vous aurez défini vos grandes lignes, vous pouvez à présent rédiger la pièce théâtrale. Vous n’avez qu’à commencer par mettre votre dialogue de base, sans vous soucier du fait que le dialogue soit naturel ou pas ou de la façon dont les acteurs se débrouilleront une fois sur scène. Sur le premier brouillon, vous devrez juste mettre noir sur blanc comme le disait Guy de Maupassant. 3Travaillez à créer des dialogues naturels. Vous devez donner à vos acteurs un scénario assez solide, pour qu’ils puissent passer les répliques de façon humaine, réelle et émotionnellement puissante. Lisez à haute voix et enregistrez votre premier brouillon puis écoutez-le. Prenez note des points qui semblent être robotiques ou trop grand. Souvenez-vous que même dans les pièces littéraires, vos acteurs doivent avoir le ton des gens normaux et non le ton de ceux qui donnent un bon discours, en se plaignant de leur boulot au diner autour d’une table. 4Laissez les conversations prendre des tangentes. Lorsque vous discutez avec vos amis, il est rare que vous vous en teniez à un seul sujet avec une attention particulière. Dans une pièce, la conversation doit guider les personnages vers le prochain conflit. Vous devez permettre de petites diversions pour la rendre plus réaliste. Par exemple, au cours d’une discussion sur la raison pour laquelle la petite amie du protagoniste a rompu avec lui, il doit y avoir au préalable une séquence de deux ou trois répliques qui mentionne depuis quand ils sont ensemble. 5 Insérez des pauses dans le dialogue. Même si ce n’est pas méchant, les gens s’interrompent dans les conversations tout le temps, même si c’est pour dire leur approbation avec un C’est bon, j’ai compris ! ou un Non, tu as carrément raison ! Les gens s’interrompent aussi souvent en changeant de sujet dans leurs phrases Je veux juste… Tu sais, ça ne me gêne pas de t’emmener là-bas le samedi, le truc c’est que, écoute, j’ai bossé pas mal pas peur d’utiliser des fragments de phrases. Bien qu’on ait été formé à ne jamais utiliser des fragments à l’écrit, on les utilise tout le temps lorsqu’on parle J’ai horreur des chiens, eux tous. 6 Ajoutez des indications scéniques [16] . Les mises en scène permettent aux acteurs de comprendre votre vision de ce qui se passe sur scène. Utilisez l’écriture en italique ou les parenthèses pour faire la différence entre votre mise en scène et les paroles dites. Même si les acteurs doivent faire preuve de leur propre créativité pour donner vie à vos mots, vous pouvez donner quelques directions spécifiques comme répliques [silence long et gênant] ; actions physiques [Silas se lève et marche avec nervosité]. [Marguerite ronge ses ongles] ; états émotionnels [anxieuse], [enthousiaste], [prend la jupe sale comme si elle la dégoutait]. 7 Récrivez votre brouillon autant de fois que possible. Vous n’allez pas achever votre pièce au premier brouillon. Même les écrivains expérimentés ont besoin de faire plusieurs brouillons pour une pièce avant d’être satisfaits du produit fini. Ne vous mettez pas la pression ! À chaque passe, ajoutez plus de détails qui donneront vie à votre production. Même en ajoutant des détails, souvenez-vous que la touche d’effacement peut être votre meilleur ami. Comme le dit Donald Murray, vous devez enlever le mauvais, pour que le bon se révèle. Supprimez tous les dialogues et évènements qui n’apportent rien à la résonnance émotionnelle de la pièce. Les conseils du romancier Leonard Elmore s’appliquent aussi aux pièces de théâtre essayez de laisser les parties que les lecteurs ont tendance à éviter [17] . Conseils La plupart des pièces ont lieu à des endroits et des lieux spécifiques, soyez donc cohérent. Un personnage des années 30 pourrait passer un appel ou envoyer un télégraphe, mais il ne regarderait pas la télévision. À la fin de cet article, vérifiez les sources des vrais formats de pièce et suivez les règles établies. Persévérez toujours et improvisez si vous oubliez une réplique pendant le spectacle. Parfois, vous trouverez une meilleure réplique ! Lisez le scénario à haute voix pour une petite audience. Les pièces sont basées sur des mots, et ce pouvoir ou son absence se remarque très vite à l’oral. Ne laissez pas votre pièce dans un lieu secret, faites plutôt savoir que vous êtes un écrivain ! Écrivez de nombreuses versions de votre pièce, même si la première vous a donné entière satisfaction. Avertissements L’univers du théâtre est plein d’idées, mais le traitement qu’on donne à chaque histoire doit relever de l’originalité. Le fait de voler l’histoire d’autrui ne constitue pas seulement une indifférence cruelle à la morale, c’est aussi un acte répressif passible de sanction juridique. Le rejet surpasse grandement l’acceptation, mais ne vous découragez pas. Si vous êtes ratatiné par l’indifférence d’une pièce, écrivez-en une autre. Protégez votre œuvre. Veillez à ce que la page de garde de votre pièce théâtrale contienne votre nom et l’année de parution de l’œuvre, précédés du symbole de droit d’auteur ©. À propos de ce wikiHow Cette page a été consultée 8 861 fois. Cet article vous a-t-il été utile ?Publiéle 10 novembre 2021. Le film à succès La grande séduction, de Ken Scott, sera adapté au théâtre sous le titre de Sainte-Marie-la-Mauderne. Cette pièce, qui mettra en vedette Michel
ON AIME Un spectacle très drôle qui parle aux pré-adosÂGE idéal pour les 9 – 12 ansDATE jusqu’au 28 mai 2022DURÉE 1h15LIEU Théâtre Grand Point Virgule Paris 15e La pièce Ados au théâtre du Grand Point Virgule, très drôle, les pré-ados adorent ! Reprise de ce spectacle où pour la 1ère fois des ados parlent aux pré-adosGrand succès avec déjà plus de représentationsVoilà une pièce de théâtre pour les pré-ados, sur les ados où 3 ados parlent de ce qui les préoccupe, et qui préoccupe sans doute leur public…Dans la pièce Ados, 3 ados complexés et bourrés d’acné, Naf-Naf, Nif-Nif et Nouf-Nouf inspirés du conte des trois petits cochons, sont des caricatures d’un fils à papa, d’un gothique et d’un jeune beur. Ils représentent, chacun à sa manière, le parfait stéréotype du jeune mâle obsédé par les filles, mal dans sa peau et pratiquant l’insulte en permanence…Ce n’est pas toujours très fin, mais ça marche et c’est trois acteurs ont une énergie débordante. Ils sautent, chantent et se vannent à qui mieux mieux. Le peps des comédiens compense un scénario, avouons-le, parfois un peu léger. D’accord, ce n’est pas de la grande littérature, mais ce remix des Trois petits cochons » est un prétexte pour se moquer gentiment de l’âge ingrat, à grand renfort de gags visuelsUn spectacle déjanté et décapantUn spectacle d’1h15 Les pièces de théâtre à l’affiche ou à venir à Paris Infos pratiques Adresse 8 bis rue de l'Arrivée, 75015 ParisAccueil •Ajouter une définition •Dictionnaire •CODYCROSS •Contact •Anagramme Fin d'une pièce à grand spectacle — Solutions pour Mots fléchés et mots croisés Recherche - Solution Recherche - Définition © 2018-2019 Politique des cookies.Lespièces de théâtre à voir à Paris en juin 2021 L'arrivée du mois de juin 2021 signe la réouverture des théâtres au public. Pour ce premier mois de l'été 2021, les théâtres
5 représentations en été 2022 L'illustre Théâtre Le 3 juin ainsi que le 29 juillet 2022 à 19h Molière, vous avez su infiniment nous plaire ! » C’est par cette phrase que Louis XIV remercia Molière de la représentation que la troupe venait de donner au château de Versailles. Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière, fut baptisé le 15 janvier 1622. En cette belle année 2022, nous fêtons donc les 400 ans de sa naissance ! C’était l’occasion rêvée pour le Magic land théâtre de se replonger dans l’œuvre de ce géant, et dans l’ambiance de la troupe qu’il créa alors avec Madeleine Béjart. A l’époque théâtre signifiait troupe, troupe signifiait théâtre. Et c’est une troupe que Molière dirigea avec Madeleine Béjart, une véritable troupe, avec ses brillances et ses doutes, ses atermoiements et ses succès ! Le parallèle avec le Magic land théâtre ètait trop évident pour que nous ne fêtions pas cet anniversaire . Le Magic land théâtre vous propose un voyage dans le temps pour assister à la répétition d’un spectacle inédit de molière . Les comédiens ont dressé des tréteaux qui ressemblent furieusement à ceux de l’illustre théâtre de jean batiste Poquelin . Comme il nous est permis de réinventer toute chose, imaginons que le grand dramaturge ait écrit une pièce jamais publiée , jamais parvenue jusqu’à nous… A l’époque, on jouait pour les riches et on ne conservait pas les textes ! Rien ne sera retrouvé à la mort de Molière, pas une ligne, pas un manuscrit, pas une signature. Pourquoi ? Le mystère reste entier. Oser inventer une pièce que Molière aurait pu écrire pourrait paraitre un outrage .Mais c’est au contraire un hommage à celui qui est pour nous une immense source d’inspiration . Une pièce qui parlerait de l’éternel amoureux , des passions dévorantes de ceux qui se consument d’avoir trop aimé et d’une époque si riche pour le théâtre ambulant. Nous proposons d’emmener le spectateur jusque dans les coulisses du théâtre d’avant. Ce sera l’occasion aussi de faire mieux connaissance avec madeleine Béjart , énième muse ou véritable acolyte de Molière ? L’Histoire nous la présente comme une cheville ouvrière discrète… Pourtant sans son intelligence financière et ses nombreux talents, la troupe n’aurait pas existé… Ce que nous avons retenu du théâtre de Molière c’est qu’iI fallait rire, absolument, de tout, de tous, pour que la vie ne soit qu’un grand théâtre, pour que le monde soit un terrain de jeu sans fin ! En ce temps-là, rares étaient ceux qui osaient défier l’autorité et se moquer des puissants, des médecins, des savants… Molière ne se gêna pas pour le faire ! Il en fit même une marque de fabrique ! Texte et mise en scène de Patrick Chaboud Les Amants de la Croix Rousse Les 10 et 11 juin ainsi que le 3 septembre 2022 à 19h Nous sommes en 1800 à Lyon. Un jeune homme qui professe comme arracheur de dents sur les places publiques, vient de créer une marionnette qu’il baptise Guignol. Son rôle est de distraire les patients pendant le moment douloureux de l’extraction mais il est encore loin d’imaginer que ce personnage va peu à peu devenir le symbole de la contestation et de la lutte sociale. La réputation de Guignol va très vite dépasser les frontières, et ses aventures, bercer des générations de contestataires d’abord, et d’enfants plus tard. J’ai imaginé une histoire à partir de cette réalité. Un jeune montreur de marionnettes tombe amoureux d’une jeune lingère dans le quartier de la croix rousse à Lyon. Ils rêvent de se marier mais le père de la jeune fille, gendarme, refuse qu’elle quitte le domicile familial. Pas question non plus de lui présenter son prétendant, recherché par la maréchaussée pour subversion. Ils vont vivre leur amour caché et le jeune marionnettiste créera le personnage du gendarme pour surmonter sa frustration. À l’origine, Guignol s’adressait aux adultes, il défiait le pouvoir en place et dénonçait les injustices sociales. Il joua par exemple un rôle important durant la commune de 1871 » à Lyon où il s’affirma comme la figure symbolique des canuts » révolutionnaires. Il devint très vite un symbole de la contestation et durant plusieurs décennies, on vit fleurir des journaux contestataires et anarchistes qui portaient le nom de Guignol. Son influence diminua peu à peu et c’est seulement dans les années 80 que le personnage trouva un second souffle auprès un public d’enfants, même s’il perdit par la même occasion sa véritable raison d’être. Texte et mise en scène de Patrick Chaboud
Cettepièce de théâtre, jouée le 15 juin dernier dans une salle publique de La Roquette-sur-Siagne devant les parents d'élèves et l'adjointe aux affaires scolaires, fait
Parcours Molière Parcours thématique Céline Candiard Introduction Maître incontesté de la comédie en France, Molière est le seul auteur comique du XVIIe siècle dont les pièces fassent aujourd'hui l'objet de mises en scène régulières. Cette faveur particulière est due essentiellement à son statut largement prédominant dans le panthéon des dramaturges français en effet, à l'instar de Shakespeare outre-Manche, Molière apparaît comme le saint patron du théâtre français, sa figure emblématique et son plus éminent représentant, tant pour la pratique du théâtre puisqu'il était comédien et chef de troupe que pour la composition de pièces. Cette qualité d'homme de théâtre total », du reste, est sans doute pour beaucoup dans le choix que fit la postérité de Molière, et non d'un Corneille ou d'un Racine, pour incarner le théâtre national. Une figure multiple De fait, la légende de Molière commence dès après sa mort. Son lieutenant La Grange s'occupe de l'entretenir, assurant notamment la publication de ses œuvres complètes, tandis que Grimarest publie en 1705 une Vie de Monsieur de Molière douteusement hagiographique qui servira de base à la connaissance du dramaturge pendant des siècles. Il est vrai que sur le plan de l'écriture comique, son œuvre a modifié en profondeur les pratiques françaises la comédie est désormais admise comme un art pleinement respectable et les poètes continuent d'imiter Molière ou de s'en inspirer pendant plus d'un siècle. Mais cette glorieuse postérité ne s'obtient qu'au prix d'une vision quelque peu déformée du personnage. On a souvent beaucoup insisté, à la suite de Grimarest, sur sa dimension de grand auteur classique, en mettant en avant ses études au prestigieux Collège de Clermont en réalité incertaines, ses lectures philosophiques, sa portée métaphysique. Pendant trois siècles, la tradition scolaire et intellectuelle a fait apparaître dans ses pièces les traces intertextuelles d'un Molière lettré et contemplatif, négligeant son activité plus terre-à-terre de chef de troupe. Or, à partir des années 1960, une partie des chercheurs et du monde du théâtre s'intéresse à cette dimension dédaignée de Molière, mettant en évidence les incertitudes des informations données par Grimarest, l'importance des années que Molière passa en province à jouer des farces et ses préoccupations commerciales de chef de troupe. C'est dans cet esprit qu'Ariane Mnouchkine réalise en 1978 le film Molière, longue fresque biographique en deux parties racontant la carrière du dramaturge de sa naissance jusqu'à sa mort en donnant une image moins lisse, plus archaïque, plus turbulente aussi de la France du XVIIe siècle, Mnouchkine a cherché à replacer la figure de Molière dans son contexte historique et culturel et à combattre le mythe classique de l'homme de lettres enfermé dans son cabinet. Petites » pièces De fait, c'est avec la composition de farces », petites pièces en un acte généralement conçues pour terminer la soirée théâtrale, que Molière connaît ses premiers succès La Jalousie du Barbouillé, Le Médecin volan t ou encore Gros-René écolier ont toutes été créées en province et, à en juger par leur reprise à l'arrivée de la troupe à Paris en 1658, elles y avaient été accueillies favorablement. C'est encore grâce à une farce, nous apprend La Grange, que Molière parvient à séduire le roi après l'avoir copieusement ennuyé par la représentation d'une pièce de Corneille. Molière a beau s'entêter à jouer quelques tragédies, il est loin d'y exceller autant que dans la comédie, sans doute en partie à cause d'une voix assez nasillarde, propice aux effets comiques mais peu adaptée à un héros pathétique. Dans sa première création parisienne, Les Précieuses ridicules, Molière reprend donc assez naturellement son personnage de valet comique Mascarille, qui avait déjà connu le succès dans L'Etourdi et Le Dépit amoureux . La pièce est un triomphe, mais les rivaux de Molière lui reprochent de n'être qu'un vulgaire farceur, ce qui le conduit à abandonner par la suite le rôle du valet fourbe au profit de rôles plus variés - maris jaloux, bons bourgeois, pères fantasques. C'est seulement à la fin de sa carrière, après sa brouille avec Lully, qu'il revient au rôle de ses premiers succès en créant Les Fourberies de Scapin 1671. Mais la pièce est un échec commercial, sans doute en raison de sa maladie qui le rend incapable d'assumer un rôle d'une telle exigence physique. De plus, la pièce s'attire les foudres des doctes, en particulier de Boileau, pour avoir emprunté certaines de ses scènes particulièrement la célèbre scène du sac au grand farceur Tabarin. Ces comédies où Molière s'était ménagé le rôle vedette du valet fourbe ne sont pas, de nos jours, les pièces les plus jouées du dramaturge on leur préfère généralement les grandes » comédies en cinq actes et en vers, jugées plus profondes. Les Précieuses ridicules ont cependant fait l'objet de quelques mises en scène marquantes au cours des dernières décennies, particulièrement celle de Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff au Théâtre de l'Odéon et au Théâtre National de Bretagne en 1997 de manière significative, c'est au sein d'une troupe déjà constituée, coutumière d'un théâtre ludique mettant en valeur les comédiens, que ce spectacle prend forme. Mais le plus souvent, les pièces les plus farcesques de Molière sont aujourd'hui chargées de cruauté, voire de violence, comme pour démentir leur apparente légèreté et leur donner une portée plus sérieuse c'est ainsi que la troupe de Deschamps fait apparaître la violence sociale contenue dans les dialogues des Précieuses . De la même manière, Jean-Louis Benoît donne au Scapin incarné par Philippe Torreton, dans sa mise en scène proposée à la Comédie-Française en 1997, une gravité désabusée, qui contraste avec le Scapin jubilatoire et métathéâtral de Daniel Auteuil dans la mise en scène de Jean-Pierre-Vincent, au Festival d'Avignon, en 1990. De manière significative, les pièces les plus souvent jouées et les plus commentées de Molière aujourd'hui sont ses grandes » comédies en cinq actes et en vers - auxquelles il faut ajouter Dom Juan, écrit en prose par manque de temps. Il s'agit en effet des pièces les plus originales de Molière et de celles qui établirent durablement sa réputation d'auteur comique d'exception. Grandes » comédies L'Ecole des femmes donna lieu au premier grand scandale de la carrière de Molière il fut accusé d'immoralité à cause de l'équivoque sexuelle de l'acte II, scène V la fameuse scène du le » », et même d'outrage à la religion à cause des Maximes du mariage » parodiques qu'Arnolphe fait lire à Agnès. C'est cet aspect corrosif et potentiellement scandaleux qui intéresse en premier lieu les metteurs en scène français à partir des années 1960 ainsi Jean-Paul Roussillon, dans sa mise en scène de 1973 à la Comédie-Française qui présente pour la première fois au public parisien la toute jeune Isabelle Adjani dans le rôle d'Agnès 00276, donne une vision cruelle et sombre du rapport de domination trouble entre Arnolphe et Agnès ; Antoine Vitez, quant à lui, inverse ce rapport dans sa mise en scène de 1978-1979, en faisant d'Arnolphe le jouet des manipulations perverses d'Agnès. De la même manière, malgré les témoignages du XVIIe siècle qui évoquent le jeu bouffonnant » de Molière dans le rôle d'Alceste, Le Misanthrope est le plus souvent joué comme une comédie sérieuse, voire un drame Antoine Vitez, dans sa mise en scène de 1988 à Chaillot, propose une méditation sur la solitude, une lecture biographique sur les tourments personnels de Molière. Les comédies les plus volontiers mises en scène sont aussi les plus subversives, particulièrement Tartuffe, qui suscita à sa création un scandale religieux sans précédent devant l'opposition de la Compagnie du Saint-Sacrement, puissant groupe de pression dévot, Molière mit cinq ans à pouvoir faire jouer sa pièce dans son théâtre, malgré le soutien du roi. On lui reprochait d'avoir donné de l'Eglise et des religieux, à travers son personnage de faux dévot Tartuffe, une image irrévérencieuse. C'est ce parfum de scandale qui séduit souvent les metteurs en scène, préoccupés avant tout de la portée de la pièce. Roger Planchon insiste ainsi, dans ses deux mises en scène de 1962 et 1973, sur les enjeux sociopolitiques de la pièce et la relation trouble, fortement érotisée, qui se joue entre Tartuffe et Orgon. Ariane Mnouchkine choisit quant à elle, dans sa mise en scène de 1995, de transposer l'intrigue de Molière dans l'univers islamique contemporain afin de dénoncer les ravages des fanatismes religieux. Des démarches comparables s'observent dans les spectacles inspirés par Dom Juan tandis que Planchon, qui présente la pièce en regard avec l' Athalie de Racine dans un spectacle de 1980, voi43avis. Théâtres Comédie Pièces de théâtre 23-90 € RÉSERVATION. De et mise en scène Josiane Balasko. Avec Josiane Balasko, Philippe Uchan, Stephan Wojtowicz, Justine Le Pottier, Georges Aguilar, Armelle. Genre : Comédie. Lieu : Théâtre des Nouveautés, Paris 9e. Date de début : 22 septembre 2022. Date de fin : 31 décembre 2022. Du 21 février au 11 mars 2023 Du mardi au samedi à 21h00 - SEUL EN SCÈNE - Durée 1h30 D’après Cyrano de Bergerac » d’Edmond Rostand Jeu Jérôme Sauvion Mise en scène Caroline Boisson Costumes et accessoires Gladys Glover Création lumière, régie générale Pascal Nougier Une création LA FACE NORD CIE Un metteur en scène abandonné de tous pour d’obscures raisons, décide de jouer SEUL la pièce Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand. Songe ou folie, peu importe. Le personnage/metteur en scène bascule et glisse dans son monde intérieur. Pendant qu’autour de lui les objets prennent vie, il endosse un rôle, puis deux, puis trois, puis tous… Et c’est dans un élan désespéré et jubilatoire qu’il va se jouer, mais aussi nous raconter son Cyrano. Car il s’agit bien ici du Cyrano De Bergerac d’Edmond Rostand mais dans une adaptation pour un seul comédien respectant, et la versification, et la poésie du texte original. Une mise en scène moderne et étonnante du mythe Cyrano qui valorise la beauté du texte tout en faisant appel à son propre imaginaire. On se surprend alors, portés par l’action et les nombreux personnages de la pièce, tous incarnés par Jérôme Sauvion, à jouer nous-même et à découvrir ou re-découvrir tout le sublime de ce texte, qui se révèle à la fois limpide, noble et majestueux… La presse en parle... Pari réussi pour Jérôme Sauvion et sa compagnie La Face nord avec Cyrano Project » qui défient les cinq actes du Cyrano de Bergerac » d’Edmond Rostand.» LES TROIS COUPS Seul sur scène, Jérôme Sauvion réussit le pari fou de jouer la vingtaine de personnages du chef d’œuvre d’Edmond Rostand. Retour sur un beau projet devenu réalité… pour notre plus grand plaisir ! » Le Petit Bulletin
FinDune Pièce À Grand Spectacle Solution. Réponses mises à jour et vérifiées pour le niveau CodyCross Mésopotamie Groupe 970Par Philippe ChevilleyJuillet 2014. Un jeune metteur en scène, Thomas Jolly, encore peu connu du public, crée l'évènement à Avignon en montant l 'intégrale de la trilogie de Shakespeare dédiée à Henry VI et à la guerre des Deux-Roses. Dix-huit heures de théâtre flamboyant, entractes compris. En juin 2022, désormais directeur du Quai d'Angers, il décide de repousser les limites du genre. Du samedi 5 au dimanche 6 au matin, il a présenté ses deux mises en scène d'Henry VI et de Richard III dans la continuité, en vingt-quatre heures chrono. Durant un jour et une nuit, un fabuleux intermède théâtral a distendu le temps et réjoui un public chauffé à blanc. Un public venu de toute la France, souvent avec un simple sac à dos il n'était pas besoin de réserver un hôtel.Cette performance artistique, un one shot » le spectacle a ensuite été rejoué mais sur deux jours, était une obsession » pour Thomas Jolly Il fallait finaliser le geste narratif, mener à terme la plus longue histoire que nous ait proposée le théâtre. Maintenant, c'est fait », nous confie l'acteur-metteur en scène, plus ému que fatigué, deux jours après ce marathon où il incarne lui-même Richard III. Ce projet réalisé n'est pas un simple caprice d'homme de théâtre. Je me souviens qu'à Avignon, à la fin d''Henry VI', à quatre heures du matin, les gens scandaient 'Richard III ! Richard III !'. J'ai répondu à leur attente en montant la tragédie du roi maudit un an plus tard. Il restait à boucler la boucle en enchaînant les deux spectacles. »Henry VI», de Thomas Jolly, Avignon de s'interroger sur la résistance du public, c'est l'énergie déployée par les acteurs qui fascine. Rien que dans la préparation du spectacle. Le travail de répétition ressemble à l'ascension d'une montagne. Si on brûle les étapes pour atteindre au plus vite le sommet, on se plante. On a répété les vingt-quatre heures comme les dix-huit heures, scène par scène, parfois réplique par réplique. La chose extraordinaire est qu'on a presque tout de suite retrouvé nos marques texte, emplacements, positions, mouvements. Les comédiens ont une mémoire du corps incroyable.» Il n'y a pas eu de filage intégral. Les vingt-quatre heures n'ont donc été jouées vraiment qu'une fois. Devant le toute la représentation, les comédiens ont été en mode veille », explique le metteur en scène. Dans les coulisses, on avait prévu de la nourriture, un ostéopathe, des dortoirs de fortune, avec des assistants-sommeil chargés de retrouver et de réveiller les comédiens endormis. A partir de 5 h 30 du matin, à la fin d''Henry VI', c'est là qu'on a repoussé nos limites jeu, voix… on a travaillé dans l'épuisement et abandonné toute maîtrise. On était dans le présent du théâtre, ce qui n'arrive pratiquement jamais avec des pièces courtes. Une quintessence. Le summum du partage avec le public. » On n'est pas fatigués! »Comme il a été vaillant ce public ! Aussi fringant que nos Lancastre et Gloucester à cran. Tout commence par des clameurs à la seconde où les acteurs entrent en scène. Les bravos, les clappings émaillent tout le spectacle. Avant les reprises, certains scandent On n'est pas fatigués ! » Il y a même eu une ola », s'amuse Thomas Jolly. Puis une standing ovation de près d'un quart d'heure à la fin… Un mix de concert rock et de match de foot. Aux entractes, les gens se partageaient denrées et oreillers. Les fantômes de spectateurs qui hantaient les rues et la gare d'Angers, dimanche matin, avaient leur sac à dos rempli d' fresque théâtrale en appelle d'autres. Il n'y aura pas longtemps à attendre pour sa dernière édition en tant que directeur du Festival d'Avignon, Olivier Py en a programmé deux de plus de dix heures, début juillet. C'est moins impressionnant que vingt-quatre heures, mais c'est tout de même un sacré défi, souligne-t-il Six heures de spectacles, ça passe… dix à treize heures, ça devient une aventure complètement folle. » Olivier Py proposera ainsi sa dernière création en quatre actes Ma jeunesse exaltée ; et le jeune auteur acteur Simon Falguières une épopée en sept parties, Le Nid de Vitez et son Soulier de satin»Si l'on remonte le temps, c'est à Avignon, essentiellement, qu'ont été créées les grandes formes de ces cinquante dernières années. Le Soulier de Satin, mis en scène par Antoine Vitez; la trilogie de Wajdi Mouawad Le Sang des promesses » , et 2666de Julien Gosselin sont autant de spectacles qui sont devenus cultes. Rendons ses lauriers à César le geste le plus aventureux fut celui d'Olivier Py qui, en 1994, créa un spectacle dingue de vingt-quatre heures La Servante. Il s'en est d'ailleurs inspiré pour créer son nouvel opus dans le même théâtre du in », le gymnase Olivier Py, la fresque est un choix radical, une rupture avec le théâtre bourgeois. On sort de la culture express, du divertissement. Le spectacle ne va pas égayer une gentille soirée, mais occuper la nuit où la journée, voire les deux ». L'auteur metteur en scène relève qu'il y a finalement peu de mots dans une pièce de deux heures. Dans une fresque, l'auteur peut s'en donner à coeur joie s'offrir une totale liberté stylistique, porter le propos plus loin, à des endroits où personne n'est jamais allé. C'est une aventure philosophique. Une cosmogonie ».Répétition à la FabricA de Ma jeunesse exaltée» d'Olivier Py. La pièce de dix heures avec entractes sera donnée à Avignon.©Christophe Raynaud de LageLe Festival d'Avignon est le rendez-vous idéal pour les projets au long cours avec son public disponible, très varié et curieux ». Il offre une assise solide pour cofinancer les productions. Cela coûte très cher. On doit doubler, voire tripler les équipes. » Olivier Py a mis six mois à écrire son ode à la jeunesse, symbolisée par le personnage d'Arlequin, héros facétieux des quatre parties. La grande innovation du texte est de jouer à fond la carte de la comédie. Une farce de huit heures, c'est un peu une première. » Sur le mode burlesque, on verra Arlequin, incarné par un jeune acteur, Bertrand de Roffignac, fustiger le capitalisme sauvage, se jouer de la poésie et de la religion, vivre à fond, mourir et ressusciter pour enfin faire triompher l' force de fréquenter le genre, Olivier Py en connaît les recettes. Si on ne veut pas perdre le public, chaque épisode ne doit pas dépasser deux heure. » De même, il ne faut pas que le texte soit trop linéaire L'épopée doit cultiver le mélange des genres, à la manière de Shakespeare et de Claudel. » Enfin, la mise en scène doit être à l'avenant inventive et débridée… Il faut à tout prix éviter qu'on s'ennuie… » Pour les acteurs, l'aventure est un véritable sacerdoce », l'équivalent de trois mois, voire six mois de travail. Les répétitions ont un côté tonneau des Danaïdes, au fur et à mesure que l'écart grandit avec les premières scènes travaillées. »Une tradition du théâtre antique et du nô japonaisCes grandes traversées théâtrales ne sont pas nées à Avignon, bien sûr. Dans la Grèce antique, on représentait les grands feuilletons mythiques en une journée. Idem pour le nô japonais. Le théâtre élisabéthain et le théâtre classique français, en revanche, n'avaient guère pour habitude de jouer les prolongations. Au XIXe siècle, on voit resurgir la fresque avec les grands opéras. Avec la Tétralogie de Wagner ou 'Les Huguenots' de Meyerbeer, on entre dans une autre dimension », estime Olivier Py. Le théâtre n'est pas en reste…On connaît l'appétit de grandeur de Victor Hugo Son 'Cromwell' frôle les dix heures ». Ibsen, avec Peer Gynt et surtout avec son drame en dix actes Empereur et Galiléen flirte également avec la démesure. Quant au Soulier de satin écrit en 1943, il a fallu attendre la mise en scène de Vitez dans la cour d'honneur, quatre décennies plus tard, pour que la pièce soit jouée intégralement plus de dix heures avec les entractes et reconnue à sa juste valeur. Un autre homme de théâtre s'y est frotté avec talent un peu plus tard Olivier Py… inspiré depuis toujours par la verve claudélienne.»Le Nid de cendres». La pièce de Simon Falguières sera présentée à la FabricA au Festival d'Avignon du 9 au 16 juillet.©Simon GosselinLa programmation de Simon Falguières à La FabricA d'Avignon a un peu l'allure d'un passage de relais. Car dans son épopée Le Nid de cendres, il y a tout ce qu'Olivier Py défend - mélange des styles, propos politique et philosophique, une vraie cosmogonie - en moins cérébral sans doute. Le jeune dramaturge de 34 ans revendique un théâtre populaire à la manière de Thomas Jolly. Sa grande oeuvre fait littéralement feu de tout bois, convoque Claudel, Shakespeare, Maeterlinck, voire Molière, et un certain réalisme de la pièce est magnifique. Quand elle commence, le monde est comme une pomme coupée en deux d'un côté le monde réel, à feu et à sang ; de l'autre le monde des contes qui se délitent. Tant que les deux moitiés du fruit ne seront pas réunies, il ne pourra tourner rond. Deux héros sont voués à recoller les morceaux la princesse Anne, venue des pays des contes, pour trouver l'homme qui sauvera sa mère, la reine ; et Gabriel, un orphelin recueilli par des comédiens dans un pays en proie aux émeutes. Le Nid de cendres joue constamment sur les deux tableaux du réalisme et de la fable, offrant aux spectateurs en mal d'enchantement un bouleversant voyage.'Le Nid de cendres' est ma véritable naissance au théâtre. Une gestation de sept années, chargée de tous mes rêves, de tous mes amours de théâtre. Le théâtre auquel j'ai choisi de consacrer ma Falguières La conception de cette grande fresque est en soi une épopée. Un work in progress » de sept ans… Les oeuvres au long cours m'ont toujours fasciné, raconte Simon Falguières. Très tôt j'ai écrit des pièces, mais mon plus cher désir était de concevoir une épopée. Je n'y arrivais pas. Le déclic s'est produit quand j'ai rejoint la classe libre du cours Florent en 2015 pour parfaire mon travail de comédien. J'y ai rencontré une génération d'acteurs formidables. C'est avec à eux que le projet a vu le jour. On m'a confié deux stages et on a travaillé sur les premières ébauches de Nid de cendres ». Trois heures en tout. Et puis mes camarades comédiens se sont dispersés Conservatoire, Ecole du Nord, Atelier volant du Théâtre national de Toulouse… J'ai eu peur de les perdre. »Il a fallu un petit miracle Une comédienne de la troupe, Pia Lagrange, nous a tous invités chez elle en Charente et, pendant deux étés, on a joué la pièce sur des tréteaux de bois, sous les étoiles. C'est là qu'elle a pris de l'ampleur. » Ensuite sont venus les producteurs Christophe Rauck, aujourd'hui directeur des Amandiers de Nanterre, le Théâtre de Normandie…. En 2019, on a présenté un spectacle de six heures. Le reste de l'épopée était déjà écrite, mais jamais je n'aurais imaginé pouvoir la montrer dans sa totalité. C'est Olivier Py qui a rendu la chose possible ».Jongler avec les registresL'artiste a déjà une autre pièce très remarquée à son actif, Les Etoiles, créée en 2020 à La Colline pendant l'épidémie de Covid. Mais Le Nid de Cendres marque [ma] véritable naissre. Le théâtre auquel j'ai choisi de consacrer ma vie ». Sa pièce-monde est en effet une ode au théâtre dans laquelle il n'hésite pas à faire dialoguer, dans une scène extravagante, la princesse Anne avec les fantômes de Shakespeare, d'Homère et Sophocle. J'aime jongler avec les registres. Et je suis fasciné par le monde des contes, par leur mystère… Dans ma pièce, de vieilles histoires surgies de notre cerveau reptilien se confrontent avec le monde contemporain. »Parmi la soixantaine de personnages, roi, reine, princesses, gens du peuple, comédiens et fantômes, il y a même le Diable Monsieur Badile et un président déchu qui arpente des terres brûlées déguisé en voyante. Simon Falguières ne tombe pas dans le piège des clins d'oeil faciles, vite obsolètes, à la politique. L'épopée parle tout le temps du monde, mais pas d'actualité ». Il s'agit d'être bien dans époque et hors du temps Le théâtre est tout sauf archaïque, il nous rappelle à notre humanité.»La scène comme un boîte à jouerReste à passer l'épreuve de la scène et des treize heures de représentation. Le texte est conçu pour maintenir l'attention du spectateur avec ses rebondissements et ses scènes poumons » de comédie. Mais il faut que la mise en scène suive… J'essaie de tenir la ligne la plus claire pour ne pas perdre les spectateurs. Dans le même temps, je crée des changements de braquet dans chaque partie. Et je soigne particulièrement les débuts et les fins. »Construire un décor lourd pour représenter forêts, royaume magique, mers, villes, maisons, palais… n'aurait pas eu de sens. Simon Falguières a sollicité Emmanuel Clolus, scénographe réputé souvent associé à Stanislas Nordey, le directeur du TNS . Il a conçu un espace dénudé, aéré, qui se métamorphose à l'envi, une véritable boîte à jouer où les accessoires jouent un rôle majeur ; les costumes aussi 250 en tout…, conçus pour distinguer les deux mondes. » Afin de créer le merveilleux, Falguières compte beaucoup sur les lumières et sur la musique dont une partie sera jouée en live » par les acteurs pour incarner 56 personnagesDix-sept acteurs sont mobilisés pour incarner 56 personnages avec les équipes techniques, il y aura en tout 35 personnes sur le plateau. On travaille sur le texte depuis sept ans, donc le mémoriser n'est pas si difficile. C'est surtout un défi physique. Sur 9 h 30 de spectacle hors entracte, les acteurs sont tout le temps en scène. Cela exige une préparation très rigoureuse. » Avec à la clé un enthousiasme sans faille Le Nid de Cendres, c'est l'aventure utopique d'une vie ».Avec nos trois capitaines au long cours, Py, Jolly et Falguières, force est de constater que les traversées théâtrales ont le vent en poupe. Cela tente jusqu'aux jeunes compagnies, pourtant dépourvues de moyens. Ainsi de Hughes Duchêne et de Je m'en vais mais l'Etat demeure, son feuilleton politique sur le premier quinquennat d'Emmanuel Macron présenté en intégrale à Paris en juin au Théâtre 13. Le phénomène n'est pas une simple réponse à la vogue des séries qui clouent de potentiels spectateurs sur leur canapé… Dans les deux cas, la motivation est la même, explique Thomas Jolly Le réel est de plus en plus anxiogène. Que ce soit dans le domaine politique, économique, écologique, sanitaire, l'horizon apparaît flou, voire bouché. Les gens compensent ce désir de projection inassouvi par une quête de récits. » Plus ces récits sont complexes, merveilleux, vibrants et incarnés en scène, plus ils étanchent notre soif de rêve et d'espérance. Plus ils étirent le temps, plus le rêve et l'espoir sont grands. Et si les jours les plus longs au théâtre étaient aussi les plus beaux...Les deux traversées d'Avignon 2022 Ma jeunesse exaltée ». Olivier PyAu Gymnase Aubanel, les 8, 9, 10, 12, 13, 14, 15 juillet à 14 h 00. Durée dix heures avec 3 entractes. Avec notamment Bertrand de Roffignac, Xavier Gallais, Céline Chéenne. Le Nid de cendres ». Simon FalguièresA la FabricA, les 9, 10, 12, 13, 15, 16 juillet à 11 heures Durée treize heures avec entractes.Infos, location 04 90 14 14 14Les deux textes sont publiés Chez Actes Sud - grandes fresques qui ont marqué le festival Le Mahabharata », de Peter Brook 1985. Le Soulier de Satin », de Paul Claudel, mis en scène d'Antoine Vitez 1987. Vole mon dragon », d'Hervé Guibert, mis en scène de Stanislas Nordey 1994. La Servante Histoire sans fin », d'Olivier Py 1995.- Le Sang des promesses » Littoral - Incendies - Forêt », de Wajdi Mouawad 2009. Henry VI », de William Shakespeare, mis en scène de Thomas Jolly 2014. 2666 », de Roberto Bolano, mis en scène de Julien Gosselin 2016. Joueurs - Mao II - Les Noms », de Don DeLillo, mis en scène de Julien Gosselin 2018. 1 élément qui entre dans la composition d'une chose construite, d'un artefact ; partie séparée d'un tout. Fragment, pièce détachée, etc. 2. chacune des parties d'un logement. 3. élément qui est une instance d'un type (ex. il dessina une nouvelle pièce d'équipement, elle acheta une belle pièce de Chine). 4. art de manier le fleuret
Unepièce dont on se délecte de la fin car on attend avec impatience que Lionel chante enfin le titre composé spécialement pour l'occasion. Spectacle vu en septembre 2021
